JULIO 25, 21 h.

PATTI SMITH
POEMAS Y CANCIONES
con LENNY KAYE

JULIO 26, 21 h.

CHANTAL MAILLARD
MATAR A PLATÓN
con BÁRBARA MEYER Y CHEFA ALONSO​

JULIO 27, 21 h.​

TANEDA SANTÔKA Y MASANOBU FUKUOKA
EL MONJE DESNUDO
Y LA REVOLUCIÓN DE UNA BRIZNA DE PAJA
con LARA LÓPEZ, TERESA SEBASTIÁN, Y SUSO SAIZ​

JULIO 28, 21 h.

TED HUGHES
GAUDETE
con MARCUS DOO & THE SECRET FAMILY

JULIO 29, 21h.

MIGUEL ÁNGEL BERNAT
DAD DE COMER A LOS ANIMALES
con LUIS PANIAGUA

 

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​JULIO 25, 21h.

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Patti Smith, poemas y canciones

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Patti Smith pertenece al grupo de poetas que ennobleció el rock llenándolo de contenidos intelectuales y reflexiones sobre el significado de la vida. Su pulsión fundamental, aunque el mundo la conozca como líder de una de las bandas más famosas de la historia del rock, ha sido siempre poética, desde su primera fascinación por el poeta Arthur Rimbaud.
Más allá de su papel como estrella del rock, Patti Smith encontró siempre tiempo para mantener un activismo imaginativo con la palabra y la música, como hizo con sus célebres protestas contra la guerra de Irak y contra la política de Georg Bush o contra la violencia en Oriente Medio con “ Qana Song”, o “Without Chains”, acerca del preso turco Marat Kurnaz, injustamente confinado en Guantánamo, o apoyando al líder del partido verde Ralph Nader. Patti Smith se ha implicado también en la difusión de la obra del escritor chileno Roberto Bolaño.
Pura energía en escena, decidida a no aburrir y a no aburrirse, y aún tan rebelde como la grama de un viejo jardín, artista polifacética y autora de magnéticos poemas y canciones, no puede dejar de inspirarnos. Toda una transfusión en cada recital. De ella dijo Joey Ramone, cantante del grupo punk The Ramones: “cada vez que leía un poema, rompía el papel o agarraba una silla y la tiraba contra la pared”.

La bibliografía en inglés de Patti Smith abarca los siguientes títulos: Seventh Heaven (1972); A Useless Death (1972); Kodak (1972); Early morning dream (1972); Witt (1973); Ha! Ha! Houdini! (1977); Babel (1978); Woolgathering (1992); Early Work (1994); The Coral Sea (1996); Patti Smith Complete, (1998); Wild Leaves (1999); Strange Messenger (2003); Auguries of Innocence (2005); Land 250 (2008); Trois (2008); Just Kids (2010). En castellano contamos con dos libros para leerla: La antología de Artium, “Poesía”, y “Éramos unos niños” de Ed. Lumen, traducción de “Just Kids”, un recorrido biográfico por los años que compartió con el fotógrafo Robert Mapplethorpe y que ganó en Estados Unidos el National Book Award, en 2010, en la categoría de no ficción.

Cabe destacar sobre la figura de Patti Smith, otros interesantes aspectos sociológicos, como el hecho de que su aspecto singular haya inspirado a miles de mujeres en todo el mundo. Ella fue de las primeras que miró a la cámara sin la típica actitud de mendiga de deseos masculinos, y libre de los típicos ropajes y actitudes que la sociedad ha impuesto a las mujeres como instrumento crucial de alienación. Patti, única y valiente, ha dado una lección de poesía vital a su propio estilo, ya sea con su imagen personal, con sus dibujos, fotografías, o sus poemas, de factura beat, salteando religión, política, sexo, o complejas transcripciones oníricas como el célebre “Sueño de Rimbaud”:
(...) oh, jesús, como lo deseo, sucio hijo de perra. lame / mi mano. me sereno. ve rápido tu madre espera. se / levanta. se está yendo. pero no sin la mirada de / esos fríos ojos azules que destroza. ese que duda / es mío. estamos sobre la cama. le he puesto el cuchillo en el / delicado cuello. dejo que gotee. nos abrazamos. devoro su cuero cabelludo./ piojos gordos como pulgares de bebé. piojos caviar de cráneo.

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​DÍA 26, 21 h.

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​CHANTAL MAILLARD, Matar a Platón

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La obra de Chantal Maillard se caracteriza por una exigente introspección. Sus reflexiones sobre nuestras adquiridas pautas culturales y sociales dejan en el lector la huella de una rara honestidad. Escribir “para no mentir”, nos dice, sin ninguna concesión, excepto a la facultad misma de dudar que tiene la palabra. La extraordinaria voz de Chantal nos obliga a cuantos escribimos a interrogar nuestros propios poemas y mirar con atención donde está la herida que llevamos a cuestas.
Chantal Maillard: Poeta y filósofa española de origen belga (Bruselas, 1951) es Doctora en Filosofía y Profesora Titular de Estética y Teoría de las Artes, vivió largas temporadas en Benarés, India, en cuya Universidad se especializó en Filosofía y Religión India. Hasta el año 2000 impartió docencia en el Departamento de Filosofía de la Universidad de Málaga, donde impulsó los estudios de Filosofía y Estética comparadas. Desde 1998, ha colabora con críticas de filosofía, estética y pensamiento oriental en los Suplementos Culturales de los principales Diarios de la prensa española y sigue haciéndolo en El País. Es autora de numerosos ensayos, cuadernos y poemarios. Ha traducido y editado a Henri Michaux y colaborado con otras ediciones en la difusión del pensamiento de la India. Ha colaborado con diversos artistas en obras plásticas y escénicas. Con Matar a Platón le fue concedido el Premio Nacional de Poesía (España) 2004, y con «Hilos» recibió el Premio Andalucía de la Crítica y el Premio de la Crítica de poesía castellana 2007.

Libros de poesía: La otra orilla. Coria del Río: Qüásyeditorial, 1990. Premio Juan Sierra 1990; Hainuwele. Córdoba: Ayuntamiento de Córdoba, 1990. Premio Ciudad de Córdoba «Ricardo Molina» 1990; Poemas a mi muerte. Madrid: La Palma, 1993. Premio Ciudad de Santa Cruz de la Palma 1993; Semillas para un cuerpo (en colaboración con Jesús Aguado. Soria: Diputación Provincial de Soria, 1988 Premio Leonor 1987; Conjuros. Madrid: Huerga y Fierro, 2001; Lógica borrosa. Málaga: Miguel Gómez Ediciones, 2002; Matar a Platón. Barcelona: Tusquets, 2004. Premio Nacional de Poesía 2004; Hilos, 2007. Premio Nacional de la Crítica 2007 y Premio Andalucía de la Crítica 2008; La tierra prometida. Barcelona: Milrazones, 2009; Hainuwele y otros poemas. Barcelona: Tusquets, 2009; Cual. DVD. Contiene lectura de "Hilos" y un corto interpretado por la autora. Málaga:Centro de la Generación del 27, 2009.
Cuadernos: Filosofía en los días críticos. Valencia: Editorial Pre-Textos, 2001; Diarios indios. Valencia: Editorial Pre-Textos, 2005; Husos. Notas al margen. Valencia: Editorial Pre-Textos, 2006 ; Adiós a la India. Málaga: Puerta del Mar, 2009.
Ensayos: El monte Lu en lluvia y niebla, Lo divino en María Zambrano. Málaga: Diputación Provincial de Málaga, 1990; La creación por la metáfora. Introducción a la razón poética. Barcelona: Anthropos, 1992; El crimen perfecto. Aproximación a la estética india. Madrid: Tecnos, 1993; La sabiduría como estética. China: confucianismo, budismo y taoísmo. Madrid: Akal, 1995; La razón estética. Barcelona: Laertes, 1998; Rasa. El placer estético en la tradición india. Benarés: Indica Books, 1999 y Palma de Mallorca: Olañeta, 2007; En la traza. Pequeña zoología poemática. Barcelona: Centro de Cultura Contemporánea 2008; Contra el arte y otras imposturas. Valencia: Editorial Pre-Textos, 2009.

“escribir
porque es la forma más veloz
que tengo de moverme”

Escribir, Chantal Maillard

Barbara Meyer: Entre 1985 y 2007 forma parte, como chelista, de varios grupos de improvisación, en donde se combinan diferentes disciplinas artísticas como danza, poesía y artes plásticas. Actúa en Francia, España, Alemania e Inglaterra y ha participado en el proyecto de música y danza improvisada, dirigido a discapacitados, en la residencia de Camp de Getafe (con Chefa Alonso y Raquel Sánchez), y es co-fundadora de Musicalibre y co-organizadora del Festival Internacional de Improvisación Hurta Cordel ( Madrid, Casa Encendida). Forma parte de la orquesta de improvisadores de Madrid, Foco, y de la orquesta de improvisadores de Londres, LIO. Es autora de varias películas de video: La peonza, Shores, Reconnaissance, 400 Chapatis, (documental sobre un proyecto con niñas huérfanas en Calcuta, India, 2008); Kehricht (Swept away), una observación poética de un patio de una escuela en Calcuta, mientras es barrido, y Ruido blanco, Selección oficial del Int. Video dance Festival Breuil, France (2008). En 2009 colabora con la obra Amazonas, representada en Madrid, dentro de la programación de Escena Contemporánea, 2009, y en Pequeñas cosas para el agua, con Sin Red (cuarteto de poesía y música improvisada), obra estrenada en Valladolid, 2009.

Chefa Alonso: Trabaja en proyectos de improvisación dirigido a discapacitados físicos y psíquicos. Es doctora en improvisación libre y composición por la Universidad de Brunel (Londres, 2007) y ha publicado el libro: Improvisación libre. La composición en movimiento (2008. Editorial Dos Acordes). Con sus instrumentos, el saxo soprano y la percusión menuda ha actuado en festivales internacionales de free jazz e improvisación libre en Alemania, Rumania, Suiza, Austria, Francia, Bélgica, España, Inglaterra y Brasil. Ha compuesto música de teatro y de danza y mantiene tres grupos estables: Sin Red, cuarteto de poesía y música improvisada, con el que tiene dos discos editados, Sin Red y Aguacero; Uz, trío de vientos de jazz, y un dúo con Albert Kaul, pianista y clavicordista de Marburg, Alemania, con el que ha editado recientemente dos CDs: El ojo del huracán y El azar fiable. Se dedica también a la enseñanza de la improvisación y a la conducción de orquestas de improvisadores, como Foco, Omega, y Entenguerengue.

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​DÍA 27, 21 h.

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TANEDA SANTÔKA y MASANOBU FUKUOKA

El Monje Desnudo y La Revolución de una brizna de paja:

Diálogo entre los haikus de Santôka y la filosofía poética de Masanobu Fukuoka: La evocación de la virtud de un poeta vagabundo o de un humilde campesino, frente a los desastres de una civilización capaz de autoerigir sobre su cabeza la espada de Damocles de las Centrales Nucleares, o la peligrosa bomba para la biodiversidad que supone el advenimiento de los cultivos transgénicos. Frente a una desgraciada civilización de la Desaparición, tan cerca de lo que el teórico Paul Virilio llamaría El accidente total, y mientras nos mantenemos en vilo por Fokushima, esta mirada a dos autores japoneses desde sus diferentes trayectorias vitales, unidos en la eco/nómica filosofía zen de “no hacer” ( wu-wei).

Taneda Santôka extrajo de su azarosa vida los más logrados haikus contemporáneos, sin rimas formales. Construidos con asombrosa sencillez, estos breves poemas son capaces de transportarnos “ahí”, donde el poeta está vivo en atenta contemplación percibiendo una totalidad no fragmentada. Desde el punto cero de su angustia: el suicidio de su madre cuando el poeta contaba apenas once años, y su posterior caída en un alcoholismo destructivo, hasta el acogimiento de la filosofía zen, -profesando los votos como monje-, tras un frustrado intento de suicidio, Santôka da testimonio de una singular resistencia a las vicisitudes y penurias. Protegido “in extremis” por amigos y su ex-mujer, quien siempre se prestó a auxiliarle, el poeta vagabundo Santôka murió en 1940 a los 57 años de edad, y es desde entonces un autor venerado en Japón. Varios son los títulos que en nuestro país han dado cuenta de su obra, “La poesía zen de Santôka” (Diputación de Málaga, 2002), “Saborear el agua” (editado por Hiperión), y la edición de Miraguano (2006) de “El monje desnudo”, en traducción de Vicente Haya, con comentarios del poeta José Manuel Martín Portales, y el magnífico prólogo en separata de Chantal Maillard: Orinar en la nieve.
Zeni ga nai / mono ga nai / ha ga nai / hitori / No tengo dinero, no tengo cosas, / No tengo dientes... / Estoy completamente solo (Taneda Santôka)

Masanobu Fukuoka es el hacedor de un poema más grande que la página: cientos de hectáreas de vergeles allí donde aparecía una tierra enferma o empobrecida. Poeta filósofo, sabio taoista, experto microbiólogo y fitopatólogo, y padre de lo que se ha llamado la agricultura natural, aún sigue inspirando, tras su muerte en 2008, a un sin fin de personas a lo largo de todo el mundo, no solo en lo que respecta al cultivo de la tierra con su particular método “sin labranza”, sino también al cultivo de la propia mente, con sus profundas observaciones poéticas e intuiciones vitales sobre la armonía de los procesos vivos. Fukuoka encontró interesante preguntarse no qué pasaría si se hiciese esto o aquello, sino qué pasaría “si no se hiciese”. Nos dice: “Los seres humanos son los únicos animales que tienen que trabajar y yo creo que esta es la cosa más ridícula del mundo. Otros animales subsisten simplemente viviendo, pero la gente trabaja como loca, pensando que debe hacerlo para poder estar viva”. Fácilmente podremos encontrar dos libros de Fukuoka en castellano: “La Senda del Cultivo Natural, Teoría y práctica de una filosofía verde” y “La Revolución de una brizna de paja”. En inglés: “The road back to nature: Regaining the Paradise Lost”.

Lara López es escritora, periodista, locutora de radio y tv, y DJ; su voz contiene una particular aptitud para los textos poéticos, y es una de las más personales en nuestro país. Actualmente es directora de Radio 3, de Radio Nacional de España, donde, desde 1996, es la directora-presentadora del célebre programa “Músicas Posibles”. En esta emisora ha dirigido y presentado programas desde 1987, y también en las otras cadenas de Radio Nacional, y en programas televisivos de ámbito cultural, como “La Mandrágora”, “Metrópolis”, o “Los Conciertos de Radio 3”. Narradora de la versión en castellano del álbum “El hombre que plantaba árboles”, un relato de Jean Giono, con música de Paul Winter; ocasionalmente, ha colaborado con El País, El Sol, El Mundo, Batonga, Leer, Voice, etc, como crítica musical. También es asesora de festivales como el Festival de Jazz de Madrid, y BBC Radio 3. Como escritora ha publicado “Óxido” en Xordica Editorial.

Teresa Sebastián es coordinadora artística del ciclo Poesía en Concierto, fundado en 2009 con su proyecto “Incandescente”, con la participación de los músicos: Javier Paxariño, Juan Carlos Blancas, Niraj Kumar, y el artista cinemático Stéphane Abboud. Involucrada desde 1998 en diferentes proyectos de investigación de nueva oralidad: “Kaligandaki” con el poeta Dionisio Romero, “La noche Incandescente”, y “Frágil”, ambos estrenados en el Círculo de Bellas artes de Madrid, ha publicado con los mismos títulos dos poemarios, en 1998 y 2000, en Ediciones Libertarias y Huerga y Fierro editores, respectivamente. En esta editorial dirigió la colección Libros de Yggdrassil. Con el video artista Benjamín Larrea ha presentado :“El Río Sensible”, en el Museo Nacional, Reina Sofía (2010), y en el Museo Würth de Logroño (2011), contribuyendo activamente en los nuevos caminos de la poesía hablada en castellano.

Suso Saiz, músico, compositor, guitarrista, arreglista, y compositor musical, es pionero de música experimental. La imaginación y sutileza con la que construye sus obras le ha llevado a ser definido como "arquitecto de sonidos. Fundó “La Orquesta de las Nubes” que nos ha dejado más de una docena de títulos memorables. Junto con Fon Román ha formado “Trash of Dreams”, minimal electrónico con la intensidad de un viaje emocional. También reconocida es su labor como compositor de bandas sonoras, entre las que destaca la música de “Al filo de lo imposible” o su colaboración en la película “Rapa Nui”, amén de trabajos de fértil co-creación con artistas como Wagner Tiso, Salif Keita, Jorge Reyes, Steve Roach, Diego Vasallo, Alberto Iglesias, y un largo etcétera. Entre sus muchos trabajos en solitario destacan: “Al Filo de lo Imposible” (1992), “Hypnotics” (1992), “Mirrors of Pollution” (1994), “El Detective y la Muerte” (1995), “Un Hombre Oscuro” (1995), “África” (1996), “Katuwira”, “Juego de Luna” (2001); y un montón de magníficas colaboraciones: “Me paro cuando suena”, “El orden del azar”, (1985 ), “Manual del usuario”, (1987), “Orquesta de las nubes” 1981-1993, (1993) (Recopilatorio); Suso Saiz, Glen Vélez, María Villa, Pedro Esteban, Layne Redmond, Miguel Herrero : “Música esporádica”, (1985), Suso Saiz - Jorge Reyes: “Crónica de castas”, (1990); Suspended Memories : “Forgoten gods”, (1993), “Earth island”, (1994); “Lliso” (1998), Diego Vasallo - Suso Saiz: “El cuaderno de pétalos de elefante”, (2002); Trash of dreams; “Plurals” (2005), “Impronta” (2007).

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​JULIO 28, 21h.

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TED HUGHES, Gaudete

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​​Ted Hughes, (1930-1998), considerado uno de los mejores poetas británicos del siglo veinte, nació en Mytholmoroyd, un pequeño pueblo en el condado de Yorkshire (Inglaterra), el mismo paisaje de Cumbres borrascosas, sobre el que Emily Brontë escribió en 1847; su poesía tiene una salvaje adherencia a los elementos de la naturaleza, y él mismo relacionó el acto de escribir poemas con la caza de animales. Digamos que para Ted Hughes las piedras toman voz y el tacto de una corteza se convierte en motivo poético. De su obra, socialmente oscurecida tras el suicidio de su esposa, Silvia Plath, tenemos por fortuna, algunos magníficos libros en castellano: la edición de Bartleby de “El azor en el páramo”, una selección de de poemas en la traducción y comentarios de Xoan Abeleira; “Cuervo” en versión, traducción y notas de Jordi Doce Chambrelán, editado en Hiperión; y la edición de Lumen de “Gaudete”, un largo poema épico, traducido por Juan Elías Tovar, donde hallamos una obra experimental de factura inclasificable. Esa extraña oscuridad de Ted Huges ha inspirado al grupo de folk rock contemporáneo, Marcus Doo & the Secret Family, la puesta en escena de sus poemas.
Sobre Gaudete se ha dicho que “escrito en la cúspide de su madurez poética, (Hughes), volcó en la obra toda su experiencia y su capacidad de riesgo. Gaudete logra rebasar las fronteras de la poesía para convertirse en un libro indefinible, poliédrico. Es a un tiempo un guión cinematográfico, una novela y una secuencia de poemas que además experimenta una transformación estilística, desde el alucinado poema en prosa del prólogo, pasando por los poemas narrativos centrales hasta los últimos, breves y oscuros poemas del epílogo”.

La bibliografía de Ted Hughes en inglés consta de los siguientes títulos: “The Hawk in the rain”, 1957 (premiado por The Poetry Center´s First Publication Book); “Lupercal” (1960); “Wodwo” (1967); “The Iron Man”, un cuento de hadas moderno ilustrado por Andrew Davidson; “Crow” (1970); “Cave birds”(1975); “Remains of Elmet” (1979); “Moor Town” (1979); “River” (1983); “Wolf watching” (1989); “New selected poems” (1994; o “Birthday letters”, (1998), sobre su relación con la escritora Sylvia Plath.

Marcus Doo & The Secret Family es una banda plurinacional formada por componentes estadounidenses, franceses, escoceses, y la madrileña Rocío León; su reciente disco: The magpie returned the ring” nos muestra lo que sucede cuando el buen folk se vuelve profundo y delicado, con grandes dosis de misterio y tensión. Ganadores del Proyecto Demo, y de las Demoscópicas de Mundo Sonoro, teloneros de Swell Season, las letras son cruciales para ellos y colocan inesperadamente la obra de Ted Hughes “aquí y ahora”.
La banda, (autodefinida como Electric Alien Folk Poetical ), está formada por Marcus Doo (voz, guitarra acústica, armónica), David Sergeant (guitarra eléctrica), Greg Gobel (bajo), Fabrice Gamon (batería), y Rocío León (voz).
A destacar sus luminosas afinidades con Wilco y Radiohead, y el haberse hecho cargo, frente al vacío de contenidos imperante en tantos otros grupos, de textos tan excepcionales como estos de Hughes:

PERO AÚN CONTINÚA la música enfurecida, si bien efímera / como un demonio materializado / vándalo en la pesada casa victoriana mal alumbrada / que golpea los desteñidos grabados ocre de batallas imperiales, / y reanima / los arsenales de tribus extintas / que cuelgan en las paredes como trofeos./ Agarra los sótanos, busca a tientas la tierra que hay debajo / como si fuera a levantar todo el montón inservible y sacudirlo hasta tirarle las chimeneas. /
Sube precipitado por la escalera de servicio /ardiendo con un júbilo helado / como el fantasma de un calculador imbécil / hasta llegar al largo desván. / El desván es un aviario. / Oscuras prisiones de cepos, pulidos por las garras de los pájaros, ventanas con malla de alambre. / Grajos, urracas, cuervos, palomos/ sentados como un jurado deprimido. / Dos guacamayos bullen su rencor y demencia. / Por doquier los pinzones se crispan y aletean./
(Gaudete)
 

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​JULIO 29, 21h.

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MIGUEL ÁNGEL BERNAT, Dad de comer a los Animales

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La obra de Miguel Ángel Bernat contiene un misticismo que revela una profunda comunión con las cosas más sencillas de la Tierra y de los hombres. El silencio se cuela entre sus versos como el agua entre las rocas de un río. Los temas de su obra a menudo suelen ser las pequeñas cosas: un “viejecito sonándose”, la contemplación de un cuadro de Brueghel o un rostro en el metro, la luz que entra por una ventana... Su voz al recitar (o su no voz), es una voz respirada hacia adentro. Nueva, vieja mística, para renovar el mundo y seguir habitándolo con alguna confianza. Poeta “manso” en el sentido menos doméstico, sus poemas contienen ”imágenes guía” hacia un recinto interior. Asistir a un recital de M. A Bernat es a menudo una experiencia excepcional, en la que junto a la palabra tocamos el silencio. En el músico Luis Paniagua, Miguel Ángel Bernat ha encontrado el buen lugar de la resonancia.

Miguel Ángel Bernat ha escrito varios libros de poesía: "Informe de la carretera abandonada", "El refugio de las fieras", "El río", "Constelación", "En la tierra", "Almas distantes", "Padre e hijo", "En el viento", "La belleza del silencio", "Estela", "Hojas de luna" y "Petirrojos de los tiempos modernos". Ha traducido al poeta japonés Ryokan (1982); fragmentos de Ramana Maharshi (1969); Gary Snyder: poemas de "La mente salvaje"; poemas de Han Shan; y "Moral laica" de Robert Louis Stevenson. Su obra también se refleja en las antologías "Ocho poetas raros, conversaciones y poemas” (Madrid, 1992) y "Campo abierto, Antología del poema en prosa en España" (Barcelona, 2005). Asimismo es autor de varios cuentos, entre ellos "El buscador de perlas", "Pipa y té, recuerdos de Bilbo Baggins", y "La oración del árbol". De uno de sus libros proceden estas palabras: “Escribo con una letra que no es la mía, en un lenguaje que no conozco, poemas que dicen quién soy”. O también, sobre un cuadro de Pieter Brueghel, “Cazadores en la nieve”: “Vuelvo a casa con los perros y los cazadores en la nieve, vuelo con las urracas en el cielo oscuro de nieve, patino sobre el hielo, no soy yo, soy otro, otra cosa, quizá soy, simplemente; Pieter Brueghel me ha llevado allí”.
Miguel Ángel Bernat no tiene la preocupación de ser diferente. Su voz "no es brillante, sino gastada, como una puerta que el viento abre al anochecer”. En sus poemas hay una entrega: "lo que somos no nos abandonará". En sus poemas habita la tranquilidad.

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Soy amigo
de la nieve negra
de los cuervos blancos

No cojo hojas de otoño
porque yo también soy
una hoja de otoño

yo solo he seguido
un camino invisible
que ha resultado ser
lo único que existe

Abadía en el robledal,
de C:D.Friedrich

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Luis Paniagua está especializado en instrumentos de cuerda de hace 4.000 años de antigüedad: lira, kithara, arpa arqueada, y es ganador del premio nacional al Mejor Álbum de Nuevas Músicas por “Nanas de Sol”, en 2002, y en el 2003 nominado por “Bienvenida”, al premio otorgado por la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música. De formación musical occidental y oriental, especialmente la del norte de India, donde estudió en 1980 con el maestro T.N.Nagar. Desde 1980 compone e interpreta música propia para obras de teatro, danza, bandas sonoras cinematográficas, grabaciones discográficas y conciertos como solista o en colaboración. En 1999 crea su sello discográfico SILENTIUM en el cual produce su música, y reedita en el año 2003, toda su obra discográfica. Doce discos: 1982, “Oriente-Occidente”; 1986, “De Mágico Acuerdo”; 1987, “Neptuno”; 1991, “Planeo”; 1992, “La Bolsa o la Vida”; 1993, “Muy Frágil”; 1994, “Árbol de Cenizas”;1996, “Soltando Amarras”; 1998, “Amaneció de Golpe”; 1999, “Nanas de Sol”; 2001, “Bienvenida”; y 2003, “Fragmentos”. Desde el año 1972 al 82, Luis Paniagua formó parte de Atrium Musicae, grupo de música antigua europea dirigido por su hermano y maestro Gregorio Paniagua. Con esta formación debutó en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York a los quince años de edad y realizó giras por Estados Unidos de América, Canadá, Francia, España, Bélgica, Alemania, Austria, Finlandia, Polonia y la antigua URSS. Con Atrium Musicae grabó 14 discos publicados en Europa, América y Japón.

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Nota,
Foto de Patti Smith, 2007 © Edward Mappelthorpe
Foto de Chantal Maillard, © Bernabé Fernández
Foto de Miguel Angel Bernat, © Eva Sala
Ilustración en Taneda Santoka, etc. Dreamtime (fragmento), © Manuel Luca de Tena